I 1866 bestemte en gruppe av New Yorks beste at deres rettferdige by trengte et museum.
Det ville vært en stor museum. Et viktig museum. Et «nasjonalt» museum som ville bringe stor kunst og kunstutdanning til det amerikanske folket.
Et museum som National Gallery i London, eller Louvre i Paris. (Glem ikke at Washington allerede hadde åpnet et nasjonalt museum, Smithsonian, i 1846 – alle visste at New York City var USAs sanne kulturelle hovedstad.)
Det ville løfte Manhattan til en by i verdensklasse; øke amerikansk produksjon og håndverk ved å vise amerikanske borgere flott design og kunst; og gi besøkende grunner til å ha stolthet i landet sitt.
Det er – veldig generelt sett – hvordan Metropolitan Museum of Art ble født, ifølge Jonathan Conlins vitenskapelige nye bok «The Met: A History of a Museum and Its People» (Columbia University Press, ute nå).
Det ble innlemmet i 1870, uten kunstverk i samlingen og uten hjem. To år senere hadde museet 174 malerier og et midlertidig utstillingsområde på Fifth Avenue og 53rd Street.
I dag er Metropolitan hjem til mer enn 1,5 millioner gjenstander som strekker seg over 5000 år og et majestetisk palass på 2 millioner kvadratmeter i Central Park.
Og likevel, som Conlin gjør det klart i sin bok, stiller vi fortsatt selve spørsmålene de grunnleggende tillitsmennene kjempet med i starten: Hva er formålet med et museum? Hvem er det for? Hvem får si noe om hvordan det drives eller hva slags kunst det har? Og er ideen om et vidtfavnende «universelt» undersøkelsesmuseum – som hevder å vise frem sivilisasjonens historie gjennom kunst – til og med god?
Conlin vokste opp på Manhattans Upper East Side og har gode minner fra å tilbringe tid på Met.
Og likevel dykker boken hans inn i noen av museets mer ubehagelige elementer: plyndrede varer, forfalskninger, røverbarongivere, rasisme, sexisme, klassisme, streikende vakter og mer.
Den vakre American Wing? I stor grad inspirert av ekskluderende innvandrerpolitikk og ønsket om å fremme en angelsaksisk definisjon av en nasjonal kunst. Disse sublime impresjonistiske oljene? Sannsynligvis donert av en Gilded Age sukkerraffinør.
Boken kommer ikke engang inn i Met som fjerner Sackler-navnet fra syv utstillingsplasser i 2021, etter protester ledet av kunstneren Nan Goldin mot opioidprodusenten.
«Jeg gjorde alt dette som en kritisk venn til Met,» fortalte Conlin – som nå underviser i historie ved University of Southampton i Storbritannia – til The Post. «I dagens klima kan det være vanskelig å være en kritisk venn, fordi du enten er en venn eller en fiende. Men jeg ville ikke ha brukt all denne tiden på å undersøke historien til Met hvis jeg ikke trodde at den hadde en fremtid som måtte informeres ved å se på fortiden.»
Da Met først dukket opp, kunne du ikke gå på et universitet og studere kunsthistorie eller kurasjon. Så de fleste av de ansvarlige var veldig, veldig velstående menn som hadde råd til å reise til Europa og kjøpe dyr kunst. Det var egentlig ingen artister i styret.
Heldigvis for Met – men dessverre for 99% – innledet industrialiseringen etter borgerkrigen epoken med røverbaronen og den rovvilende kapitalismen.
Oligarkene tjente millioner på ryggen til underbetalte arbeidere, mens de betalte lite eller ingen skatt. (Inntektsskatten fikk lov til å utløpe i 1872 og kom ikke tilbake for godt før i 1916.)
Disse fete kattene så på seg selv som den nye kongelige, og ønsket kunstsamlinger og assosiasjoner til steder som Met eller MFA i Boston som ville fremheve deres nyfunne status.
«Til å begynne med var det en følelse av at det var større restriksjoner på eksport av kunst, og derfor var den opprinnelige ideen [the museum] ville ha avstøpninger eller kopier,» sa Conlin. «Og så raskt, tror jeg, gjennom innflytelsen fra disse oligarkene, satte de sikte høyere til å ønske originalens prestisje.»
På begynnelsen av 1900-tallet hadde Met mange plutokrater som lånte og dinglede mesterverk de kjøpte gjennom sine kapitalistiske gevinster.
Henry Havemeyer – fra American Sugar Refining Company – var kjent for sine tøffe forretninger, men samlet fransk kunst. Han og hans kone, Louisine, donerte mer enn 300 gjenstander til Met, inkludert en rekke impresjonistiske malerier fra Manet, Degas og Renoir.
Den legendariske finansmannen JP Morgan fungerte som Mets president og finansierte de første egyptiske utgravningene. Likevel var museet forferdet etter hans død over at han ikke overlot sin enorme kunstsamling til institusjonen. (Sønnen hans endte opp med å gi en god del av det til Met fire år senere.)
«Jeg tror tradisjonelt historikere innen innsamling ikke ser på hvor pengene kom fra før de ble brukt,» sa Conlin. «[But] det er en kobling mellom hvordan Havemeyer samlet kunst og hvordan han samlet sin formue» – det er aggressivt, nådeløst.
«Det handlet om jakten, det handlet om kampen,» spesielt under offentlige auksjoner, da folkemengdene jublet da budene eskalerte. «Det var nesten som en WWF-tilnærming til kunstanskaffelse.»
Så var det Mets første direktør, Luigi Palma di Cesnola: en tidligere unions kavalerioffiser som reiste til Kypros for å grave etter skatter, mye som han endte opp med å selge til Met.
En påfølgende arkeologisk utgraving ga enda flere skatter, selv om han ble anklaget for å endre statuer, fudging og blåse opp tall og datoer, og innrømmet å prøve å lure og unndra osmanske restriksjoner på utgravninger og eksport.
Conlin sammenlignet ham med sirkusimpresario PT Barnum. «Han brakte en slags teater til Met,» sa han.
The Met – til tross for sin forsjeldne luft – elsker av og til noen gode gamle razzle blende. Det er selvfølgelig hver Mays Met Gala, som ble berømt på 1970-tallet under veiledning av den berømte moteredaktøren Diana Vreeland.
I dag er arrangementet et utstillingsvindu for avantgardemote, som Katy Perry som gikk opp museets Fifth Avenue-trapp utkledd som en lysekrone i 2019. Men tilbake i 1961 grøsset museumsdirektør James J. Rorimer ved synet av lånetakerne som danset The Vri.
Noen ganger glipper Mets enorme, bombastiske svingninger. Ta 1969-showet «Harlem on My Mind», den landemerke multimedia-utstillingen om svart liv i Manhattan sentrum som endte opp med å fornærme det meste av det afroamerikanske samfunnet.
Museumsledere ble sjokkert da svarte kunstnere og medlemmer av samfunnet før åpningen i januar valgte Met. De protesterte mot HMMs «utelukkelse av svart kunst og tilegnelse av svart historie» og ba om å avlyse showet. De krevde også at museet utnevner svarte kuratorer og «søke et mer levedyktig forhold til Total Black Community.»
Utstillingen inkluderte fotografier av portrettkunstneren fra Harlem-renessansen James Van Der Zee, men alle maleriene og annen «kunst» som skildrer Harlem og det svarte livet ble utført av ikke-svarte. Deretter inkluderte utstillingens katalog et essay av en tenåring fra Harlem med et sitat som noen leste som antisemittisk. Som svar truet ordfører John Lindsay med å defundere Met.
Likevel var Met trege til å lære leksen.
Direktøren Thomas Hoving svarte med å ansette Lowery Stokes Sims i 1972, en ung svart kvinne, som assisterende kurator. Men de fleste av Sims banebrytende show om svart kunst ble montert utenfor Met selv. Og hun ble først forfremmet til full kurator i 1995.
En av de slående tingene med «The Met» er at så mange av dens historiske debatter og problemer fortsatt stemmer i dag. Bare i 2023 feiret Met Costume Institute den avdøde designeren Karl Lagerfeld, en kontroversiell skikkelse som spydde ut antifete, anti-islamske og bare generelt ikke-PC-kommentarer gjennom hele livet. I 2020 og 2021, midt i COVID-nedstengingene og Black Lives Matter-protestene, ba talsmenn på sosiale medier at Met skulle ansette flere fargekuratorer og «avkolonisere» samlingene deres. (The Met lovet å komme med en rapport for å adressere og reparere denne omstridte fortiden. «Fire år senere har rapporten de lovet å produsere om to år fortsatt ikke dukket opp,» bemerket Conlin tørt.) Det er en mer mangfoldig kurator. ansatte, men de som har ansvaret er fortsatt hvite menn.
Og likevel har det vært mange forbedringer. The American Wing har en mer ekspansiv visjon om amerikansk kunst, inkludert kunst fra innfødte og latinokulturer. Det er mer gjennomtenkte show, for eksempel årets «Harlem Renaissance»-portrettshow, et forlenget og gledelig korrektiv til «Harlem on My Mind»-debakelen.
Langt fra å kansellere Met, sa Conlin, vi burde «verne om» det og andre universelle undersøkelsesmuseer liker det.
«Disse institusjonene, som Met, British Museum eller Louvre, feirer en delt menneskelig kreativitet,» sa Conlin. «Mye av kunsten her var på et tidspunkt et trofé av noen få mennesker: konger, lærde mandariner eller oligarker. Jeg tror min bekymring er at kunst fortsatt blir sett på som et trofé – så svart kunst tilhører svarte mennesker; Kinesisk kunst tilhører kinesere; og det tilhører ikke resten av oss.»
I dag, midt i ropet om identitetspolitikk, «virker det progressivt å komme med disse argumentene,» fortsetter Conlin. «Men det er til syvende og sist å oppdele oss og oppmuntre oss til å miste synet av tingene vi har til felles, som er at vi er en unik kreativ art.»
