Amerikanske designere er noen av de største motenavnene i dag: Marc Jacobs og Michael Kors, Tory Burch og The Rows Mary-Kate og Ashley Olsen.
Ralph Lauren gjorde Americana romantisk, Thom Browne gjorde krympede dresser maskuline, og Halston og Calvin Klein – på forskjellige tidspunkt i karrieren – gjorde minimalismen elegant.
Men det var ikke alltid tilfelle, ifølge «Empresses of Seventh Avenue: World War II, New York City, and the Birth of American Fashion», en fascinerende ny bok av Nancy MacDonell (St. Martin’s Press, 27. august). .
Før andre verdenskrig, skriver MacDonell, slet amerikanske designere i anonymitet, og så til Paris for «inspirasjon».
Noen dro til haute couture-showene for å tegne Chanel- eller Patou-antrekk som sjefene deres kunne kopiere hjem.
Noen sydde off-the-rack versjoner basert på mønstre kjøpt fra franske couturiers.
Noen stjal bokstavelig talt fra utstillingslokalene i Paris.
Få hadde friheten – eller støtten – til å produsere noe virkelig uavhengig.
Og mens New Yorks Seventh Avenue skrøt av de beste produsentene i verden, og produserte Chanels av høyere kvalitet enn Chanel, pumpet den stort sett ut slaviske kopier av såkalte «Paris-originaler.»
Så invaderte nazistene Frankrike i 1940, og avskåret couture-industrien fra resten av verden.
Plutselig måtte USA utvikle sin egen stilsans, fri for franskmennene.
Og det gjorde det.
Faktisk skriver MacDonell: «Amerikansk mote overlevde ikke bare krigen; den trivdes.»
MacDonell krediterer denne bragden til en gruppe kvinnelige redaktører, designere, kjøpere og publisister i New York City.
Disse kvinnene, hevder hun, bidro til å definere det «amerikanske utseendet» og gjorde USA til et motekraftverk: en «milliard-dollarindustri som sysselsetter millioner av mennesker over hele verden, og som former måten hver og en av oss kler oss hver dag. ”
De inkluderte de radikale designerne Elizabeth Hawes og Claire McCardell, hvis enkle, elegante og rimelige «klosterkjole» skapte en sensasjon og skapte amerikansk chic.; Lord & Taylors Marjorie Griswold og Dorothy Shaver, som gjorde varehuset om til et tempel som viser frem det beste innen amerikansk design; Eleanor Lambert, som promoterte unge amerikanske talenter i inn- og utland; og fotografen Louise Dahl-Wolfe, som sammen med den legendariske moteredaktøren Diana Vreeland fikk disse amerikanske motene til å se så glamorøse ut.
«Alle delte en felles tro: at mote kan være både vakker og demokratisk,» skriver MacDonell. «Deres motstandskraft endret hvordan vi alle tenker om klærne vi har på oss.»
Amerikanske couturiers som skapte klær uavhengig av Paris eksisterte før krigen, men de var sjeldne.
Noen få, som Valentina og Jessie Turner Franklin, hadde noe beryktet, takket være kjente kunder som Katharine Hepburn.
Men Elizabeth Hawes var den første ekte amerikanske kjendisdesigneren, og den første som offentlig stilte spørsmål ved den «franske legenden.»
Hawes var en lysøyne 22 år gammel Vassar-utdannet fra New Jersey som håpet å bryte seg inn i motebransjen da hun ankom Paris i 1925.
Venninnens mor sikret Hawes sin første jobb, hos et designfirma som (til Hawes’ redsel) ulovlig produserte og solgte kopier av franske kjoler.
Hawes tilbrakte tre år i Paris, og slo av fransk mote for en rekke bedrifter.
Hun stilte opp som en couture-klient for å få eksemplarer til å kopiere, snek seg inn på moteshow slik at hun kunne skissere det beste utseendet.
Hun studerte smuglede muslinmønstre og «lånte» prøver slik at et team av mønsterskjærere og kloakk kunne produsere couture-faksimiler for det amerikanske markedet.
I prosessen, skriver MacDonell, «hadde hun oppdaget at hennes elskede visjon om Paris-mote var en løgn.» Hawes kom tilbake til USA i 1928 og åpnet sitt eget bestillingsvare motemerke rettet mot «amerikanske kvinner.»
Hun tilbød smarte, moderne, idiosynkratiske klær uten volanger, tyll og «frippery». (Hawes hatet virkelig oppstyr; hun giftet seg til og med med sin andre ektemann i blå jeans.)
McCardell skrev også artikler og bøker som fordømte den «franske legenden» – ideen, holdt siden 1500-tallet, at «Paris var lik mote» og at «alle andre steder» bare fulgte dens diktater.
«Det ga ingen mening, påpekte Hawes, at bare fordi Marquise de X hadde på seg en spesiell kjole til løpene i Auteuil, skulle en maskinskriver i Brooklyn bruke samme stil som Coney Island,» skriver MacDonell.
Likevel nektet amerikanske moteledere å stille spørsmål ved den franske måten.
«På 1930-tallet, akkurat som de hadde gjort i flere tiår, holdt couturiers i Paris amerikansk smak i et silke skrustikkegrep,» skriver MacDonell.
Det hele braket sammen 14. juni 1940, da nazistene stormet Paris og draperte hakekorset over Triumfbuen.
Nyheten rystet verden. Paris var den niende europeiske hovedstaden som falt til tyskerne.
Men tilbake i USA fikk moteledere og redaktører panikk av en annen grunn.
Nå som tyskerne hadde tatt over Paris, kuttet de moten fra resten av verden.
Hvordan ville amerikanere vite hva de skulle ha på seg – eller lage – uten Frankrikes veiledning?
11. juli innkalte en gruppe kvinner i bransjen til et krisemøte på Manhattans Biltmore Hotel for å legge strategier for hvordan de skal gå videre.
Noen ledere dro til og med til Los Angeles for å trygle Hollywoods kunder om å lage versjoner av deres sølvskjermdesign for å sende dem til produsenter i New York for å kopiere.
De hadde ikke mye tro på Seventh Avenue.
Motebladene har et modig ansikt: Vogue, Bazaar og Life gjorde seg klare for sine første septemberutgaver med alle hjemmelagde talenter.
De fremstilte å kjøpe amerikansk design som en kvinnes patriotiske plikt. Mer enn det, de fikk det til å se oppsiktsvekkende ut. (De var heldige å finne den ideelle modellen, den blonde skuespillerinnen Lauren Bacall, som var et eksempel på det avslappede, sunne idealet om den «amerikanske jenta.»)
Det hjalp at de første amerikanske samlingene faktisk var gode: «trim og slank, med en artlessness som antydet virkelige bruksområder», skriver MacDonell.
Og de ble bare bedre. Unge mavericker som McCardell – hvis nyvinninger inkluderte lommer i kjoler, kombinert jersey-separater, lekedrakter og antrekk med avtakbare hetter – insisterte snart på at navnet hennes ble satt på etiketten, og løftet hennes status til en fransk couturier i stedet. av en peon som jobber for et større selskap.
Da de allierte frigjorde Paris, fire år etter at de falt for tyskerne, var Seventh Avenue ikke bare et produksjonssenter, men et knutepunkt for innovativ, spennende design.
Couture-industrien hadde knapt overlevd krigen – med mange av dens gjenværende designere anklaget for å samarbeide med nazistene. Og mens parisisk mote kom brølende tilbake i 1946, med fremkomsten av Christian Diors nostalgiske helskjørte New Look, fortsatte New Yorks kvinnelige designere å lage klær for arbeidende, uavhengige kvinner.
Dessuten laget de en mal for å produsere fremtidsrettede, rimelige konfeksjonsklær som kunne eksporteres over hele verden, inkludert Frankrike.
I dag har selv de tonyeste couture-husene ready-to-wear-kolleksjoner som forbrukere kan kjøpe på hyllen, fra Dior til Chanel.
Og amerikanske designere fra Olsen-tvillingene på The Row til Thom Browne debuterer kolleksjonene sine i Paris.
MacDonell avslutter boken sin ikke på 1940-tallet, men på 1970-tallet, med det berømte slaget ved Versailles ekstravaganza, der amerikanske designere konkurrerte mot den franske gamle garde i en motekasting for å redde Louis XIVs smuldrende palass.
Så passende at en gruppe skrappe amerikanere (inkludert Halston, Stephen Burrows og Anne Klein) ville overstråle slike som Yves Saint Laurent og Pierre Cardin i det overdådige huset som solkongen bygde.
Den franske legenden, i det øyeblikket, ble endelig ødelagt.
