Da jeg ankom Stratford-festivalen i Ontario i år, var det snø på bakken og kranser på dørene.
I slutten av september.
Men det var ikke på grunn av for tidlig kanadisk frost og sprudlende feriejubel. Nei, en julefilm ble filmet i den vakre byen som kan skilte med eksepsjonelle Shakespeare-oppsetninger, moderne skuespill og musikaler omtrent 90 minutter fra Toronto.
«God jul!», hilste en restaurantserver på meg. Å, Canada.
I løpet av denne uvanlig lange sesongen på den 72 år gamle teaterinstitusjonen, vil publikum sannsynligvis være vitne til noen faktiske stormer etter hvert.
Den ærverdige festivalens gjenopplivning av «Annie» spilles langt ut i desember – en av vår-og-sommer Stratfords lengste løp noensinne. Så solen vilje komme ut i morgen, om enn for færre timer.
Regissert av Donna Feore, Stratfords dronning av musikaler, finner den lekre produksjonen som varer til 14. desember en vinnende balanse mellom nostalgi og nyhet.
Dagens barn fortsetter å ha lyst på gå-få-em Annie (en uskyldig Harper Rae Asch) og hennes harde liv, men de har ingen anelse om at det noen gang har vært en tegneserie. Eller, for den saks skyld, hva en tegneserie til og med er. Enhver vekkelse må kjempe med det faktum at rags-to-riches-komplottet, som blir mer besynderlig for hvert år, er grunnleggende todimensjonalt.
Feores sympatiske versjon strekker seg smart over en komfortabel mellomting.
De ofte tegneserieaktige kostymene og parykkene er mer realistiske og utslitte; mindre cherry Starburst.
Likevel er det ikke så dystert som noen nylige gjenopplivninger av Charles Strouse, Thomas Meehan og Martin Charnins show har vært. Hvordan kan det være? Med karakterer på størrelse med Macy’s Parade som den onde Miss Hannigan – spilt med bitterhet ved siste anrop av Laura Condlin – Daddy Warbucks (forkledningsmester, Dan Chameroy) og en deus ex machina i form av Franklin Delano Roosevelt, kan du ikke behandle sunne «Annie Karenina» som det.
Feore, som viste i festivalens «Billy Elliot» og «The Sound of Music» at hun er en trollmann med barn, skruer opp ånden med et oppsiktsvekkende ensemble av unge skuespillere som foreldreløse barn. Det er som om du har snublet inn i et turnstevne med sang — Backflips: The Musical! Jentene er alle spirende komikere også.
Det er selvfølgelig en risiko ved å fremføre «Annie» på Stratfords fremstøtende Festival Theatre-scene. Hundeelskere, som er farlig nær handlingen, vil ønske å løpe opp og stjele de bedårende, raggete valpene som spiller bortkommen Sandy.
En femten minutters spasertur unna er det enda et par hunder i «Dirty Rotten Scoundrels», den utrolig morsomme musikalkomedien som spilles på Avon Theatre til og med 23. november.
Bare de er mennesker: Lawrence Jameson og Freddy Benson, de sleipe duellsvindlere som ble spilt i filmen av Michael Caine og Steve Martin.
Lawrence er en slangeaktig brite i en smart dress som bæres av den knakende skuespilleren Jonathan Goad, som er en proff på å være både klam og lyssky. Og Freddy er den gutteaktige unge oppkomlingen som invaderer gresset hans. De prøver å lure den samme kvinnen i Sør-Frankrike.
Freddy spilles vanligvis av Liam Tobin, men jeg så hans understudy Henry Firmston. Jeg hadde sett skuespilleren en gang før i festivalens «Something Rotten» (som kommer tilbake neste år) forrige sesong. Hans unike, puckish energi – mer gjentakelse av «Friends» enn «trinn, spark, spark, hopp, spark, berøring» – slår virkelig opp hvert show han er en del av.
Hysteriske tå-tappere fra komponisten David Yazbek, som «Great Big Stuff» og «Ruprect», fikk magen til å føles som om de nettopp hadde blitt satt gjennom sit-ups.
Musikalen presentert i prosceniet Avon har visuelt gått et steg ned de siste årene. Det er fortsatt sant for «Dirty Rotten», regissert av Tracey Flye. Naturen er grunnleggende og litt flat. Når det kommer til magen latter, men: store store ting.
Denne sesongen har skuespillet i det teatret i stedet blitt overlevert til maktsyke, knivglade Mr. «Macbeth».
I Robert Lepages gassgigantiske versjon av Shakespeares tragedie, frem til 22. november, vil du få øye på salamander og tå av frosk, Motel Six og gjenger på svin.
Ja, regissøren – hvis arbeid New York-publikummet vil kjenne fra Mets «Ring Cycle» i 2010 – har gjort Mackers, Lady M, Banquo og resten til grungy motorsyklister. Hells MacAngels.
Estetisk sett er det like spennende som ethvert skuespill du vil se på Broadway. I det siste, ganske mye mer. Et massivt motell på motorveien roterer med utspekulerte ugagn – blodige drap, avkledning – som skjer i flere rom. Motorsykler ruller over scenen. Og toveis speil brukes til skummel effekt.
Når det gjelder maktstrukturene og grunnreglene til de stridende fraksjonene, kommer det imidlertid noe forvirrende denne veien.
«Macbeth» er alltid en vanskelig tragedie. Ambisjon, trolldom og trass mot den naturlige orden (drepe en konge) er alle smeltet sammen til en veldig komplisert fyr. Skinnjakker og doo-rags slører situasjonen mer enn å bidra med noe vesentlig. Og konseptet med heksene føles spesielt lite seriøst.
Lepages teft for gjenoppfinnelse fungerte langt bedre da han flyttet handlingen til «Corilanus» til et gjenkjennelig Washington DC for noen år tilbake. Den politiske thrillerstemningen «House of Cards» ga publikum en vei inn i det stykket som «Macbeth» ikke roper spesielt ut for.
Når det er sagt: Når det gjelder Macbeths og Lady Macbeths, kan du ikke gjøre det mye bedre enn Tom McCamus, med stemmen til en midnattsradiovert og skulen til en brutal morder, og Lucy Peacock, hvis elektrifiserte Lady M gleder seg spesielt over ødeleggelse.
Kanskje enda mer ambisiøst enn det klatreparet var en av de heteste billettene jeg så – «Forgiveness», et emosjonelt og ekspansivt nytt skuespill på Tom Patterson Theatre om situasjonen til japansk-kanadiere under andre verdenskrig som dekker fire tiår.
Det begynner i 1968, med at Mitsues sønn hentet hjem kjæresten sin mor Phyllis (Jacklyn Francis) og far, Ralph, til middag. De vanlige bekymringene rundt kjærestenes folk som møtes for første gang – hva de skal lage, hva de skal ha på seg – blir forsterket av de traumatiske historiene til «leiene», som smertefullt utfolder seg når vi spoler tilbake til 1930-tallet.
Mitsue (Yoshie Bancroft, empatisk og fantastisk) og familien hennes opplever rasisme i Vancouver og blir til slutt satt i en interneringsleir etter angrepet på Pearl Harbor. Samtidig kjemper Ralph (Jeff Lillico, en tidskapsel av kjøtt og blod) utenlands for Canada og blir en av Japans krigsfanger.
Til slutt kommer en bekreftende og dypt bevegende gjensidig forståelse som antyder at en mulighet til å helbrede alltid er på bordet.
Basert på Mark Sakamotos memoarer, overbelaster dramatikeren Hiro Kanagawa dialogen av og til med klisjeer og høye fraseringer. Men i det hele tatt er «Tilgivelse» en imponerende bragd. Det enorme antallet lokaliteter og arrangementer er behendig vevd sammen, og iscenesatt med fei og intimitet av Stafford Arima.
Familiedrama og den lange tidens gang driver også festivalens beste show fra 2025-listen, Shakespeares «The Winter’s Tale», regissert av Antoni Cimolino.
Den fantastiske romantikken eksemplifiserer hvorfor jeg ikke vet hvordan jeg skal slutte i Stratford, hvor jeg har reist til i 18 år. De som må ses er ofte sære – en «Vintereventyr» eller en «Cymbeline», i stedet for en «Hamlet» eller «Romeo og Julie.» Og selskapet gjør rutinemessig Bard bedre enn noe teater i New York så mye som nærmer seg, absolutt inkludert Public’s Shakespeare in the Park ujevne produksjoner i det siste.
Graham Abbeys King Leontes, en strålende rollebesetning, rangerer med de fineste Shakespeare-forestillingene jeg har hatt noe sted. Mens den glade skuespillerens naturlige selskapsglede løsner for å avsløre karakterens vridde og ubegrunnede sjalusi til kona Hermione (Sara Topham) og bestevennen Polixenes (André Sills), stirrer det henrykte publikum på avsky og knust.
Jeg mistenker at flere enn noen forholder seg.
Leontes alene imploderer livene til seg selv, sin gravide kone og sin stakkars lille sønn Mammillus over en varmblodig anelse.
Det som er rart og elskelig – stygt og rettferdig, om du vil – med «The Winter’s Tale» er at mye av andre halvdel, 16 år etter de kongelige grusomhetene, er en herlig tumult.
Det er spritedansing og et par fantastiske klovner – den sprudlende favoritten Geraint Wyn Davies som Autolycus og gale Christo Graham som Young Shepard. Graham, forresten, er Alfredo fra Pixars «Ratatouille» som kommer til live.
Ikke la deg lure helt av gleden. Sluttscenen mellom Hermione, Leontes og Yanna McIntoshs utmerkede Paulina er mer hjerteskjærende og hjertevarmende enn du noen gang har sett den før.
Og så, akkurat når vi tror Leontes har fått en ny sjanse i alderdommen, minner Abbey og Cimolino oss kraftig om at noen valg ikke kan omgjøres.
Denne ekstraordinære «Winter’s Tale» er en kombinasjon av tragedie og eufori på mer enn én måte.
Så tragisk at det allerede er stengt!
Og så glad for at den er profesjonelt filmet for en kinopremiere og eventuell streaming.
I mellomtiden er det nok av show å se før sesongen er over – selv om du kanskje avslutter, forfulgt av en snøstorm.
