Kunstneren David Hockney, hvis malerier av bassenger som glitrer i solskinnet i Los Angeles ble ikoner for kunst fra det 20. århundre, døde torsdag, sa publisisten hans. Han var 88.
Hockney ble født i Nord-England, men bodde store deler av livet sitt i Sør-California, noe som gjorde den solfylte forstadsutsikten til et stort motiv.
Senere i livet vendte han tilbake til Europa, og fant fornyet inspirasjon i de skogkledde åsene i hjemlandet Yorkshire og jordene og trærne i Frankrikes Normandie-region. Han ble en av Storbritannias mest skattede artister, og verkene hans solgte for rekordpriser på auksjon.
Historiker Simon Schama sa at «populariteten og holdbarheten til David Hockneys kunst, gjennom alle hans formskiftninger og rastløst oppfinnsomme eksperimenter, er egentlig ikke noe mysterium.»
«Hans verk blir beundret – elsket er ikke et for sterkt ord – av de millioner som over hele verden strømmer til for å se det fordi det forutsetter en forventning om nytelse,» skrev Schama i et essay som fulgte med en Hockney-utstilling i Paris i 2025.
Hockneys publisist, Erica Bolton, sier at han døde noen uker før 89-årsdagen sin.
Med sine varemerke runde briller og bleket-blond hår var Hockney en velkjent skikkelse i de svingende britiske og amerikanske kunstscenene på 1960-tallet, selv før han fylte 30. Maleriene hans var like særegne, mange av dem skapte en drømmelignende verden av mønstret lys som spretter av vann og vinduer, og i flate former i mattet, forenklet akrylmaling.
«Jeg er spent hver dag,» sa han til Los Angeles Times i 1979. «London har mange triste deler, men jeg finner aldri noe trist i Los Angeles.»
Hockneys tidlige liv og påvirkninger
Hockney ble født 9. juli 1937 i Bradford, en stor industriby hvis hovedeksport var ulltekstiler. Han tilbrakte de to første tiårene der før han gikk til Londons Royal College of Art. Han gjorde inntrykk allerede før han ble uteksaminert, og kunsthandler John Kasmin tok ham med inn i kunstnerstallen sin i 1961.
Hans kunstneriske påvirkning spenner vidt, fra renessanseportrettkunstnere til den engelske landskapsmaleren JMW Turner fra 1800-tallet, Pablo Picassos eksperimenter i kubisme og amerikansk popkunst fra 1900-tallet.
Da Hockney besøkte USA i 1963-64, fikk Hockney oppmerksomhet med sin oppdatering om «A Rake’s Progress», 1700-tallskunstneren William Hogarths serie med malerier som forteller historien om en velstående cads eskapader og eventuelle fall. New York Times sa i 1964 at Hockney «bringer Hogarth oppdatert med en hevn og gir et godt eksempel på hvordan yngre artister liker å gifte seg med tekst og bilde med fordel for hver enkelt».
«Bare en vanlig artist»
Han delte interessen for det moderne livets polerte overflate med andre popartister. Og, som Andy Warhol med sine Brillo-bokser og Campbells suppebokser, inkorporerte Hockney av og til reklameetiketter, for eksempel en britisk Typhoo Tea-boks som ble brukt i hans «Tea Painting in an Illusionistic Style» fra 1961.
Han fortalte The New York Times i 1964 at han likte den spirende popkunstscenen i New York, men var ikke sikker på at han var en del av den.
«Jeg er bare en vanlig kunstner,» sa han. «Jeg beundrer amerikansk pop – faktisk ser det ut til at alt som ser friskt ut og viktig i England i disse dager har kommet fra USA.» Ikke desto mindre betraktet han seg fortsatt som «svært mye en artist i den engelske tradisjonen,» sa han i 1995.
Selv flyttingen hans til California hadde en historisk presedens, bemerket han, siden tidligere generasjoner av engelske kunstnere hadde søkt det strålende lyset i Italia.
Som en åpent homofil mann utforsket Hockney erotiske temaer, og ga ungdommelige mannlige kropper den samme ømme gransking som artister hadde gitt kvinnen naken i århundrer. Venner og elskere stilte ofte opp som modeller, og noen bilder var basert på bilder i kroppsbyggingsmagasiner for menn.
Tidlige verk som «We Two Boys Together Clinging» og «Two Men in a Shower» feiret homofile forhold da homofili fortsatt var ulovlig i Storbritannia.
Tidlig i karrieren ble to av tegningene hans kjøpt til Museum of Modern Art i New York.
«I det øyeblikket jeg først solgte bilder for å tjene penger, følte jeg meg rik. Jeg har vært rik siden,» sa han til The Associated Press i 1995. «Jeg hadde ikke mye penger, men jeg gjorde det jeg ville. … Du er en rik mann hvis du gjør de tingene du vil gjøre.»
Den friheten ga Hockney anerkjennelse og rikdom, med verkene hans som ga rekordstore summer. I 2018 ble maleriet hans fra 1972 «Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)» solgt på en Christie’s-auksjon for 90,3 millioner dollar, den gang rekord for en levende kunstner. I februar 2020 ble et annet bassengmaleri, «The Splash», fra 1966, solgt på Sotheby’s for 23,1 millioner pund (30 millioner dollar).
Mens malerier av bassenger var et Hockney-varemerke, malte han også bokstavelig talt et basseng da han dekorerte bunnen av svømmebassenget på det historiske Hollywood Roosevelt Hotel i Los Angeles.
Mens mange av hans mest kjente malerier hadde amerikanske scener, tok han også tak i britiske emner. Han udødeliggjorde foreldrene sine i flere portretter. «Mr. and Mrs. Clark and Percy,» et dobbeltportrett fra 1971 av to av hans engelske venner og deres katt, ble rangert som nr. 5 i en 2005 BBC Radio-National Gallery (London) online avstemning av de største maleriene i Storbritannia. Det var det eneste verket av en levende maler på topp 10.
Som mange tradisjonelle kunstnere vurderte han å tegne en grunnleggende ferdighet og beklaget at det ikke ble undervist så strengt som det pleide å være.
«Mennesker er de mest interessante tingene vi ser, så de er vanskeligst å tegne,» sa han i et AP-intervju fra 1996, og la til at de beste tegningene lages når det er empati mellom kunstneren og motivet.
Arbeidet hans gikk utover tegning og maling
Han begrenset seg ikke til å tegne og male. Han bidro med kostymer og scenografier for teater og opera, inkludert en berømt produksjon av «Tristan und Isolde» som ble satt opp i 1987 på Los Angeles Opera.
Alltid en innovatør, omfavnet Hockney tegning, maleri, trykking, fotocollage og video i en syv tiår lang karriere.
Da han begynte å fotografere, smeltet han sammen sjangre og satte sammen individuelle bilder til forseggjorte collager som «Pearblossom Highway, 11-18th April, 1986,» bygget opp av individuelle utsikter over et ørkenmotorveikryss.
«Fotografvennene mine sa at det var et maleri,» sa Hockney til AP i 2001. «Jeg sa at det var et fotografi; jeg brukte et kamera.»
Innsikten han fikk fra fotoarbeidet hans førte til at han undersøkte og skrev en bok fra 2001, «Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters.» Han hevdet at kunstnere gjennom århundrene brukte linser og andre optiske enheter for å hjelpe dem med å tegne mye oftere enn de fleste historikere tror.
Senere begynte han å tegne på iPads, som ble hans favorittverktøy.
På begynnelsen av 2000-tallet så han på nytt på markene og skogene i Yorkshire i en serie sprudlende landskapsmalerier som kombinerte dristige farger med liten oppmerksomhet til teksturen til snø i en åsside eller en blomst på en hagtornhekk. De var med i en 2017-utstilling på Tate Britain i London som ble besøkt av en halv million mennesker og flyttet til Pompidou-senteret i Paris og Metropolitan Museum i New York.
Hockney brukte det engelske landskapet til inspirasjon i designen for et glassmaleri i Westminster Abbey for å feire dronning Elizabeth IIs lange regjeringstid. Fullført i 2018, viser Queen’s Window et landskap av blomstrende hagtorntrær i fargetoner av blått, grønt, gult, oransje, rosa og rødt.
«De kan ikke avlyse våren»
På dette tidspunktet ble Hockney ansett som Storbritannias største nålevende kunstner, og en nasjonal skatt. I 1997 kåret dronningen ham til en æresfølge, en pris begrenset til 65 personer «av utmerkelse.»
I 2019 flyttet han til Normandie i Frankrike, hvor han under koronaviruslåsen i 2020 produserte gledelige iPad-tegninger av våren for vennene sine. Budskapet hans – «Husk at de ikke kan avbryte våren» – ble utsmykket i neon over Fondation Louis Vuitton i Paris da den var vert for en enorm Hockney-utstilling som åpnet i april 2025.
Showet varierte fra det første maleriet han noen gang solgte – et portrett av faren fra 1955 – gjennom LA-svømmebassenger til Yorkshire-skoger, portretter av venner, scenedesign for opera og dusinvis av bilder av vårens sprudlende ankomst til Normandie.
Kunstkurator Norman Rosenthal, som var med på å sette sammen Paris-utstillingen, kalte Hockney «vår tids Picasso».
«Når jeg sier det, ler folk av meg, siden Picasso var den arketypiske kunstneren på det 20. århundre,» sa Rosenthal til avisen Independent. «Men David Hockney er også en utrolig populær artist hvis arbeid endrer hvordan vi ser ting.»
Hockney, en sigarettrøyker som ikke angret som hevdet seg mot regjeringens antirøykeregler, klaget da en plakat for utstillingen i 2025 ble utestengt fra Paris Metro fordi den viste ham holde en sigarett.
Hockney hadde et mindre hjerneslag i 2012 og ble stadig mer døv i senere år – noe han sa hadde forbedret hans visuelle oppfatning.
«Hvis du mister en sans, får du andre sanser, og jeg føler at jeg kunne se rommet klarere,» sa han til AP i 2017.
Han sluttet aldri å jobbe.
«Det er arbeidet mitt som holder meg ung,» sa Hockney til avisen Sun i 2017. «Jeg har vært profesjonell maler i 60 år. Seksti år med å stå opp hver dag og gjøre akkurat det jeg vil gjøre.»
